el color de los pensamientos y de los sentimientos (Francesco de Bartolomeis)

 

Dentro de todo niño hay un pequeño artista y además un crítico de arte. Los niños al expresarse como pequeños artistas y valorar obras de arte no se comportan de modo excepcional sino que sacan gran partido a los recursos que posen y esto les llevara a un gran modelo formativo.

Por ello el niño no es un artista donde pone en accion su creatividad que esta en todo momento, sino aquella que aflora con los sentimientos y estimulos sobre la marcha.

Para poder comparar un niño con un artista debemos tener en cuenta la diferencia de nivel entre ambos. el niño es artista por los problemas que supera no por los resultados que obtenemos. una vez tenemos esto en cuenta no solo se trata de crear, representar un objeto o imagen sino la composicion con la interaccion de todos los componentes, color, forma... dentro del terreno de la expresion tanto pictorica, grafica y plastica con gran veriedad de materiales y diferentes tecnicas obtenemos grandes experiencias que nos ayudan a adquirir conocimientos y habilidades para formar nuestro propio artista.

Hablando de investigacion, no nos  referimos alcanzar el objetivo con sus propositos y recursos sino a que generemos una formacion que les proporcione condiciones, medios, materiales para alcanzar una gran importancia a la pintura, el dibujo... todo lo relacionado con la educacion artistica.

La persistencia en esta investigacion para que los niños logren formarse como grandes artistas, si lo comenzamos desde parvulos, ya comienzas a familiarizarse con estos materiales, tecnicas, todo lo que mas adelante podran utilizar y demostrar con sus conocimientos y con la ayuda de los sentimientos lo maravillosos que son.

Para finalizar debemos tener muy claro que los niños realizan todo a base de la experiencia, por ello debemos elaborar nuestras propias ideas claras que no lleven a dificultades a la hora de llevarlas acabo para los pequeños ya que observan todo tipo de representaciones, transformaciones... po lo tanto estamos preparadas para sacar lo mejor de cada artista que se nos ponga delante y lograremos unas espectaculares obras de arte.

ANÁLISIS DE LA EXPRESIÓN PLÁSTICA DEL PREESCOLAR.

Muy buenas tardes!!!! Soy María Morales componente de las sugus, aquí os dejo mi resumen del capítulo que escogí para leer.

Teorías sobre el arte infantil.

-El significado del arte infantil.; ¿Qué es una obra de arte?

El significado de un objeto artístico es arbitrario. El objeto significa aquello que quien lo ve piensa que significa y su valor depende de la valoración de quien lo ve.

Según Curt Ducasse, las valoraciones de los críticos en última instancia, son una mera cuestión de gusto personal como sucede con el aficionado. La gran diferencia es que el aficionado ingenuo gusta o no las obras de arte exactamente sin saber por que…mientras que el crítico su sabe cuáles son los rasgos concretos responsables de su placer o su disgusto ante una obra de arte.

Un ejemplo de ello es el símbolo mundial de la Expo: Este símbolo consta de ocho pares de figuras. Dos barras idénticas con un aspecto de hombres de pie, dispuestos en círculo con los brazos en alto. Un psiquiatra declaro que tenia claras connotaciones homosexuales. Para ellos simboliza la hermandad y la amistad. Y ocho pares unidos y rodeando la Tierra representa la danza feliz de la humanidad.

Observan que parecen más árboles, pero ·The book of the sings” dice que las partes de este mandala significan: además de la vida familiar, existe la amistad entre los hombres. Siempre habrá comentarios y discrepancias de una obra de arte. Cada uno tendrá sus opiniones, reacciones y juicios.

Clement Greenberg decía: los juicios estéticos, deliberados e involuntarios no permiten la aplicación de normas, estrategias. Los juicios de los que se interesan por el arte unifican y pasan a lo largo del tiempo. En cambio los otros no.

La dificultad para expresar reacciones individuales se detecta quizá en aspectos figurativos de un objeto de arte.

Ducasse decía: los sentimientos particulares que expresan los dibujos no pueden expresarse sino a través de ellos mismos.

Un dibujo de un mandala no significa mucho en sí mismo, pero en el contexto de centenares de miles de dibujos, sí. La clasificación de centenares de millares de dibujos por sus estructuras lineales y por la edad y nombre del artista también apuntan otros significados.

¿Por qué las estructuras mentales suelen seguir orden?.

El ojo y el cerebro humano están predispuestos para ver figuras de conjunto, que esta predisposición  tiene lugar durante la interacción de la mano y el ojo al hacer garabatos. Los primeros trabajos figurativos del niño están muy influenciados por los garabatos que hizo antes, de forma que los dibujos de figuras humanas, animales, casas… reflejan los diagramas, mandalas, soles, que trazó antes.

Según dice el autor, el placer visual es esencial, el motor es menos importante. En su libro realiza estudios del manejo de materiales artísticos en niños, de las estructuras lineales del arte infantil. De esto último dice que son resultado del movimiento y en su análisis figuran implicaciones pertinentes para el estudio de la actividad motora.

Paul Klee piensa que el movimiento es la esencia del arte: al parecer los  niños se desarrollan mediante movimientos que para los adultos no parecen albergar otra finalidad que la del mero placer. Paro ciertamente los movimientos del cuerpo infantil que producen un trabajo artístico, no se deben solo al placer del movimiento. En realidad contribuyen a coordinar movimiento con vista. También a la supervivencia. Los músculos del ojo del niño hacen movimientos verticales, horizontales y diagonales, a fin de abarcar la zona que sus ojos tratan de enfocar. El recién nacido no puede girar la cabeza a su voluntad y cuando comienzan a fijarse en las cosas lo que ven mediante sus movimientos de arriba abajo y derecha e izquierda es necesariamente limitado, siempre limitado por sus movimientos. A cada zona le corresponde una visión central y periférica. 

Los movimientos de la cabeza y los ojos determinan pues una serie de zonas que la mente debe organizar. Al aprender a andar a gatas o caminar, la supervivencia del niño depende de la atención de sus ojos, a menos  que como en el caso de un ciego, sean los ojos del otro los que vean por él. Para aprender a andar, el niño mueve su cuerpo con movimientos influenciados por sus ojos.

Tal vez los garabatos muestran al niño una sensación de movimientos corporales de la que puede disfrutar plenamente porque es segura en comparación con las imágenes que tiene que observar para moverse con seguridad. Al parecer por las frustraciones de los pequeños, el arte infantil, permite que la mente se mueva libremente mientras que el cuerpo permanece seguro haciendo movimientos restringidos. Los movimientos del arte infantil quizás producen también placer al gozar de las características del ritmo y equilibro que se puede observar en los dibujos mismos.

Wetner Wolf comentaba, si la estética está relacionada con el ritmo y la proporción, los dibujos infantiles revelarán un valor estético muy alto, pues sus medidas revelan un gran sentido de la proporción y de la simetría. Estas características que menciona Wolf, según el autor del libro, también pueden estar relacionadas con los movimientos de los niños. W. Grozinger describe también la relación entre la actividad motora y los dibujos de los niños. Afirma que los dibujos bilaterales de los niños son expresión de aspectos básicos del sentir.

El placer visual es una parte esencial del arte infantil, pues de lo contrario los niños no harían trazos, pero también esenciales al placer motor. 

Al niño puede resultarle difícil adaptar sus estructuras lineales espontáneas a los símbolos lingüísticos convencionales, número, letra, y a las líneas de los dibujos que hacen padres y maestros para ser copiados por los niños. Algunos investigadores hicieron estudios sobre lo que podía llamas más la atención de un bebe.

Frantz llego a la conclusión de que la Gestalt de la cara resultó la preferida por su parecido con la cara materna. Cuando los niños son lo suficientemente mayores las primeras caras que hacen carecen de edad sexo y dibujan mandalas mucho antes que caras.

También otro investigador en este tipo de pruebas registró el ritmo cardiaco de los niños, que tiende a disminuir cuando fijan la atención en algo.

Kagan descubrió que la atención variaba en función del sexo, la edad, y el ambiente social. Explica las múltiples variaciones de atención en función de tres principios:

1. contraste en los estímulos visuales

2. discrepancias en los estimulos

3. percepciones habituales.

4. asociaciones producidas por los estímulos.

El análisis del autor en función de la percepción de la Gestalt es que son artísticas, diferentes de la percepción de la Gestalt de los objetos y que la evolución del arte infantil es independiente de las asociaciones o del ambiente social. Cada uno de los investigadores dan su opinión respecto de la investigación que realizan con las máscaras de arcilla.

Los significados del arte infantil en relación con la inteligencia seguramente transcienden los aspectos negativos y diferencias que ha reseñado.

Significados positivos del arte infantil en relación con la inteligencia: la oportunidad de hacer garabatos libremente es importante para dos operaciones decisivas de la inteligencia: la lectura y la escritura.

La escritura corriente que utiliza movimientos circulares comunes a los garabatos podría ser más fácil de aprender que la escritura caligráfica.

Al aprender a leer, el niño debe percibir estructuras lineales parecidas a las que ha hecho espontáneamente. En arte las letras se colocan o se disponen para completar un patrón o una figura implícita. En lenguaje se disponen en cierto orden de palabras y se colocan de izquierda a derecha y de arriba abajo. 

Un último significado del arte infantil en relación con la inteligencia se refiere a los hábitos de confianza en uno mismo. El niño adquiere la experiencia de automotivación. El arte infantil ofrece un modo de acercamiento a las concepciones generales del comportamiento humano.

Señales-estímulo.

Estas señales sirven para percibir los aspectos estéticos, espirituales místicos y religiosos del mito y este sirve para comprometer al individuo en la vida organizada de la cultura.

El arte espontaneo puede servir para integrar tanto las actividades de los adultos como las de los niños. Por último la sociedad tecnológica nos somete a muchos estímulos que no se pueden integrar fácilmente y el precio que pagamos por llenar nuestro mundo de objetos faltos de estética es ciertamente grande.

"El desarrollo de la capacidad creadora"

 

Hola SUGUS! soy Ainhoa Ochoa Manzano y yo os voy a hablar del libro “El desarrollo de la capacidad creadora”.

Este libro es interesante porque nos explica formas para ayudar a los niños entorno a su creatividad, y como ven la capacidad creadora los maestros e investigadores.

El capítulo que he escogido es el de “El desarrollo de la capacidad creadora”.

A continuación hare un breve resumen del capítulo y libro en cuestión.

El desarrollo del pensamiento creador tiene una importancia enorme para nosotros, como individuos y como sociedad. En algunos casos la capacidad creadora es definida como la aptitud de pensar en forma diferente a los demás, debe ser una contribución del individuo. Las tareas más difíciles del maestro de niños pequeños es procurar los caminos socialmente aceptables en los cuales los niños puedan usar su capacidad creadora, y donde se estimula hacerlo. El momento más crítico para el estimulo del pensamiento creador es cuando el niño comienza a asistir a la escuela primaria. Hay varios factores de creación, los ambientales, los valores sociales, la personalidad del propio y la actitud. En la actualidad se relaciona por la creatividad con el razonamiento y con el desarrollo de las aptitudes.

Todos los niños nacen creativos, necesitan investigar, experimentar, descubrir lo que ocurre en su entorno. Debería preocuparnos las restricciones psicológicas y físicas que en el medio pone en el camino del pequeño que crece inhibiendo su natural y creatividad y su comportamiento exploratorio. En primaria los alumnos realizan muchas preguntas, pero cuando se va subiendo de curso los alumnos dejan de preguntar a los profesores y ahora son ellos los que preguntan a sus alumnos. El individuo investigador, curioso y creativo, debe ser una de las metas de nuestro sistema educacional. Algunas veces se confunde entre inteligencia y capacidad creadora (creatividad). Se considera que la capacidad creadora es un atributo que tiene valor positivo, y como también la inteligencia se valora altamente, resulta que muy a menudo se colocan juntas ambas propiedades. Es mucho más importante desarrollar, en los niños, la capacidad creadora que la idoneidad, porque la capacidad creadora no puede adquirirse a edades más avanzadas, mientras que es dudoso que a los niños de la escuela primaria se les pueda enseñar mucho en materia de técnicas e idoneidad artística perdurables.

El desarrollo de la capacidad creadora parece actuar con un conjunto de pautas muy diferentes del que utilizan otros sectores del comportamiento. Es muy conocida la actitud del niño sano, que posee una imaginación vivida y una enorme curiosidad por las cosas que le rodean. Sin embargo, algunos investigadores han descubierto que cuando el niño llega a los ocho o nueve años parece mucho menos creador y nuevamente en los primeros años de escuela secundaria, aparece con una disminución de la capacidad creadora.

Existen pruebas de que a los maestros no les gusta el niño creador. El hogar constituye un factor significativo por su influencia sobre el estimulo para desarrollar el pensamiento creador.

Se han encontrado y estudiado programas destinados a incrementar el potencial creativo de las personas en nuestra sociedad, y en casi todas las ocasiones se ha visto que es de gran ayuda para la capacidad creadora del niño.

Espero que os haya gustado mi pequeño resumen, yo he disfrutado mucho leyéndolo!

Un besito dulce de una SUGUS! 

"Análisis de la expresión plástica del preescolar"

Muy buenas tardes a todos nuestros seguidores Suguiles!!jijiji

Soy Gemma Mª Muñoz García y la entrada de hoy es para comentar el capítulo "Los mandalas" del libro "Análisis de la expresión plástica del preescolar" de Rhoda Kellogg.

"Mandala" es una palabra sánscrita que designa el círculo. En las religiones orientales, se aplica a varias estructuras lineales. especialmente a figuras geométricas dispuestas en estructuras concéntricas. Los círculos o cuadrados concéntricos son igualmente Mandalas. Podemos encontrar dos estructuras similares: Los Soles, que suelen estar formados por un círculo o un cuadrado con líneas pequeñas que cortan el perímetro; y  los Radiales, que pueden ser combinaciones formadas por dos tipos de cruces, formados por muchas cruces centradas en el mismo punto, pero también pueden constar de lineas rectas o curvas que divergen a partir de un área pequeña y no de un solo punto. A diferencia de los Soles, los mandalas están divididos por una o varias cruces y, a diferencia de los Radiales, tienen un perímetro circundante. Las 3 estructuras suponen una importante ayuda para el análisis del arte infantil. Se prueba que los niños perciben los Mandalas mucho antes de hacer los primeros Diagramas.

Los Mandalas constituyen un eslabón fundamental en la evolución progresiva que conduce del trabajo abstracto a la pintura figurativa. El niño, accede de los Mandalas a los Soles y luego a figuras humanas.

La forma mandaloide de las primeras figuras humanas es una señal de la esencial naturaleza artística del niño. Los Mandalas siven de nexo entre el arte de los niños y el de los adultos. La prueba más clara de este nexo es el arraigo de los Mandalas en el arte. Los cuadrados y los círculos divididos por una o más cruces abundan tanto en el arte de los adultos como en el de los niños.

Todos reaccionan favorablemente ante la Gestalt del Mandala. ¿Por qué el Mandala es tan atractivo? Una razón reside en su equilibrio de conjunto. En la religión oriental se considera como un símbolo del cosmos. En la psicología de Jung, es representativo de la psique con el inconsciente colectivo.

Son pocos los adultos que superan la presunción de que el arte infantil es siempre un arte pobre. Los padres y los educadores deben ver que el valor de la actividad artística estriba en llevarla a cabo. El niños da lo mejor de sí en el arte cuando los adultos aprueban con firmeza todo su trabajo, sin hacer excesivas alabazas de aquello que a ellos más les agrada.

Me ha gustado mucho el libro ya que, a parte de irte explicando verbalmente todo lo relacionado con los Mandalas, también se acompañaba de ilustraciones en las que podías ver como la realización de mandalas va evolucionando con la edad pero, que desde el principio se realizan.


Espero que os haya gustado este capítuloo!!Un besito enormeee!! :D

Hola amantes de los suguuus!! Soy Sandra y yo os voy a hablar del libro "La educación artística no son manualidades", según vayáis leyendo mi resumen os pasara como a mi., pensareis: ¡¡pero que razón tiene este mujer, María Acaso!! me ha sorprendido el libro, como buen sugus sorprendido que soy (recordad...el azul es el mejor...de piña=) ya que habla de lo que esta pasando ahora, de los profesores, de que en cada situación y contexto hay educación artística. No os lo perdáis, ¡¡os aseguro que os va a gustar!!

RETANDO A LOS RETOS        

En el año 2001 ocurrió el derrumbe de las Torres Gemelas, con su aplastante carga de visualidad. Situación que influye negativamente en el área de educación artística. 

¿Qué es un reto?

Nace de una situación nueva que nos sitúa ante una encrucijada donde tenemos que decidir qué hacer: abandonar o enfrentarnos al reto. Si elegimos la segunda opción podemos fracasar o vencer. Si elegimos la primera solo nos queda fracasar.

RETOS VISUALES

La primera situación que afecta al desarrollo de la educación artística es el hiperdesarrollo del lenguaje visual.  Esta situación nos sitúa en cinco encrucijadas:

1-      Enseñar la diferencia entre realidad y representación

Lo primero que ha de tener claro un profesional de la educación artística para el desarrollo de su docencia en la era del hiperdesarrollo del lenguaje visual es que los significados que emergen de los productos elaborados mediante dicho lenguaje son construcciones visuales, son construcciones mediadas al través del lenguaje social.

Una vez asumido que las representaciones visuales so son la realidad, el siguiente reto supone enseñar para que los estudiantes diferencien entre realidad e hiperrealidad.

Los conceptos representación e hiperrealidad nos conducen al tema de interpretación, porque hay que darle la vuelta a la tortilla y darle el poder al espectador, desterrando el mito de que es el emisor el creador del mensaje.

Es labor de una educación artística comprometida con lo que está pasando ahora, analizar los procesos de interpretación y proclamar el valor del receptor en la construcción del mensaje.

2-      Introducir la cultura visual como contenido habitual de la educación artística.

La educación artística no puede ocuparse solo de los productos visuales catalogados como artísticos, sino que ha de abarcar todo aquello que está relacionado con la producción de significado a través del lenguaje visual.

Para romper la dinámica de “tirar para comprar” hay que saber decir no a los impulsos comerciales hacia los que nos lleva el lenguaje visual.

3-      Incorporar los procesos de análisis como procesos base.

Aprender a analizar los mundos visuales que nos rodean, aprender a pararnos a observar, a quitarnos la venda, quizá sea la meta más importante de un profesional de la educación artística del siglo XXI. Aprender a analizar la cultura visual es necesario.

4-      Entender los procesos de análisis y de reproducción de productos visuales como productos relaciones con la creación de conocimiento.

Aunque la apreciación es importante, también es importante la producción. Es importante construir una representación visual. Consiste en algo tan complicado como desarrollar a veces una idea original, fijarse un objetivo y desarrollar un proceso hasta llegar a dicho objetivo. Para mirar bien es imprescindible pensar.

El termino manualidad es parte de las actividades relacionadas con la educación artística y no un eje central de la misma.

5-      Reconocer que la educación artística tiene lugar en todos los lugares de desarrollo del LV, no solo en los contextos educativos.

El aprendizaje de las imágenes se produce en multitud de contextos que, en la mayoría de los casos, no tienen nada que ver con lo que socialmente se considera como educación artística (viendo la tele, en un parque temático, ojeando una revista, etc.) todos estos tiempos y lugares forman la educación visual no centralizada, que consiste en los procesos de enseñanza y aprendizaje que tiene lugar por medio de imágenes en contextos no tradicionales y que ocurre cuando las personas se están educando a través de representaciones visuales de forma inconsciente.

La educación visual centralizada es aquella que tiene lugar en contextos tradicionales como la escuela o la universidad…

RETOS TÓXICOS

En el terreno de la educación, son tres los retos inminentes que nos asaltan: cambio de nomenclatura, formación del profesorado y desarrollo de metodologías nuevas.

Cambiar y homogeneizar la nomenclatura del área.

Nuestra competencia se dirige a aquellos objetos, lugares o experiencias a partir de los cuales se crea significado mediante el lenguaje visual.

Cambiar la formación del profesorado y los sistemas de acceso a los emplazamientos profesionales.

-          La marginación de la educación artística es una cuestión política, y el principal objetivo es el hiperdesarrollo visual. Existen tres hechos determinantes La ausencia de especialista en educación artística en educación primaria.

-          La nula formación inicial de los profesores en educación secundaria en el área plástica y visual.

-          La inexistencia de una carrera planificada de los educadores de museos y de aquellos que trabajan en contextos especiales.

No existen asociaciones que organicen actividades para el reciclaje profesional del profesorado de secundaria, y los pocos recursos que se ofertan al profesorado en activo a lo largo de su vida profesional son completamente insuficientes.

Desarrollar metodología nuevas ante la ineficacia de las metodologías educativas en acción.

La pedagogía tóxica se encuentra plenamente asentada en los espacios educativos relacionados con la educación de las artes y la cultura visual. A través de una consciente formación ineficaz del profesorado deviene el uso del modelo tóxico por repetición.

RETOS ARTÍSTICOS

Situaciones nuevas que nos hacen tirar por un camino o por otro dentro del campo de las artes visuales:

1-      Reconocer el arte contemporáneo como una micronarrativa ante el TV.

El arte contemporáneo es el único contexto desde donde se pretende concienciar al espectador de lo que está ocurriendo en el mundo. El arte contemporáneo se configura como una micronarración visual que busca alertarnos de los peligros. Reconocer el arte contemporáneo como este sistema que pretende la revolución a través de lo visual es una de los grandes retos que nos esperan.

2-       Pasar de la contemplación a la comprensión.

No es posible entender el arte actual de un solo vistazo. La única forma de entender el arte contemporáneo es pasar del análisis a la comprensión. La experiencia artística es algo que exige nuestro esfuerzo, nuestro poder de relación, nuestra creatividad y conocimiento.

3-      Incorporar el arte actual como contenido habitual de la educación artística.

La función del arte como educador público y como alternativa al hiperdesarrollo del lenguaje visual cobrará sentido si acercamos a nuestros alumnos al arte de su tiempo (además del arte de otras épocas) y les enseñamos a llegar hasta el final.

4-      Reconocer que la educación artística ha de ser estudiada por todos los estudiantes y no solo aquellos que parecen estar dotados para el dibujo.

Solo unos pocos llegarán a ser artistas, publicistas, diseñadores…pero casi todos harán fotos, vídeos, dibujos…y todos serán consumidores de desarrollos creados a partir del lenguaje visual.

5-      Entender el análisis y producción de los productos y experiencias artísticas como actividades relacionadas con la creación de conocimiento crítico.

La expresión, el sentimiento y el placer son también parte de la experiencia artística. Pero la generación de conocimiento es quizá la parte fundamental del hecho artístico hoy.

Los productos artísticos se hacen por alguien, para algo, con un proceso, con  etapas, para cubrir un fin. Hacer arte implica pensar, ser creativos, relacionar. Y eso lleva su tiempo.